Від тихого шепоту до сміливих штрихів: художниця з Кот-д'Івуару Джоана Чумалі вивчає теми ідентичності та миру.

Джоана Чумалі, "Мрійниця", Серія Альба'хіан, 2025, змішана техніка: цифрова фотографія, надрукована на бавовняному полотні, ручний колаж, вишивка, живопис, прозора тканина та муслін, металік, люрекс, бавовняні та вовняні нитки. Триптих, розміри 100 x 150 см (39,4 x 59,1 дюйма), люб'язно надано художницею та ГАЛЕРЕЄЮ ФАРАХ ФАКХРІ. Фото Хуссейна Макке.

Мистецтво Джоани Чумалі розгортається, як тихий шепіт медитації: воно багатошарове, світле і глибоко особисте. Її творчість починається з фотографій, зроблених на світанку, які зображують спокійний початок дня в Абіджані та інших містах. Потім вона вишиває безпосередньо на цих зображеннях, додаючи шари тюлю, органзи та ниток. Цей дотиковий процес, який художниця порівнює з "автоматичним письмом", відкриває їй можливість досліджувати теми пам'яті, стійкості та взаємозв'язку між мріями й реальністю. Кожен стібок стає актом споглядання, перетворюючи мимовільні моменти на текстуровані наративи, що з'єднують фізичний і духовний світи.

Чумалі народилася 1974 року в Абіджані, Кот-д'Івуар. Вивчала графічне мистецтво в Касабланці, Марокко, перш ніж працювати арт-директором у рекламі. Пізніше мисткиня переключила свою увагу на фотографію, спеціалізуючись на концептуальних портретах та змішаних техніках. Її роботи часто заглиблюються в культурну ідентичність та складнощі африканських традицій у сучасному контексті. Зокрема, її серія "Hââbré, Останнє покоління" документує згасання практики скарифікації обличчя серед народу Буркіна-Фасо в Кот-д'Івуарі. У 2019 році вона стала першою африканською лауреаткою Прі Пікте за свою серію "Ça va aller", яка поєднує фотографію та вишивку для вирішення проблеми колективної травми та зцілення.

У травні 2025 року роботи Чумалі були представлені на виставці "La Terre n'a qu'un Soleil" у ГАЛЕРЕЇ ФАРА ФАХРІ в Абіджані, Кот-д'Івуар. Ця виставка продовжила її дослідження багатошарових наративів, демонструючи її здатність вплітати особисті та колективні історії за допомогою її особливого змішаного підходу.

В інтерв'ю для Global Voices Чумалі обговорює еволюцію своєї художньої практики, значення своїх матеріалів і технік, а також те, як її робота слугує провідником для самоаналізу та діалогу.

Ось кілька фрагментів з інтерв'ю.

Омід Мемаріян (OM): Ваша робота "Ça va aller" (2016) привертає увагу завдяки своєму оригінальному поєднанню вишивки та фотографії. Чи могли б Ви поділитися, як саме ця техніка увійшла у Ваше мистецьке життя і які емоційні чи наративні аспекти Ви прагнете висловити через цей тактильний підхід?

Джоана Чумалі (ДЧ): Я почала вишивати на своїх фотографіях у 2015 році, оскільки відчула потребу проводити з ними більше часу. Мені подобається, як цифрове фото фіксує мить за секунду, тоді як я можу проводити місяці чи навіть роки з цим зображенням, надрукованим на бавовняному полотні. Я додаю шари текстилю, щоб підкреслити кольори неба, а потім вручну вишиваю персонажа, як ручний колаж, але без клею. Далі йдуть ще шари тюлю, органзи або мусліну, що відображає не просто фізичне нашарування, а й різні способи бачення кількох реальностей.

Прозорі тканини, які я додаю останніми, викликають вогкість і м'якість світанку -- росу, легкий туман -- щось, що заспокоює та вітає мене, коли місто ще спить.

Ці шари допомагають мені виразити різні рівні життя, як фізичні, так і духовні. Вони поєднують реальність та уяву, ранкове світло та внутрішнє бачення. Для мене додавання ниток і тканини -- це як автоматичне письмо. Так я створюю красу з того, що спостерігаю та відчуваю навколо себе.

ОМ: Ваша творчість еволюціонувала від документальної фотографії до використання змішаних медіа. Які моменти або досвіди стали каталізаторами для цієї зміни, і яким чином це вплинуло на ваш стиль?

Ви бачите зв'язок між фотографією та цими новими матеріалами?

ДЧ: Вважаю, що моя праця набула такої ж рішучості, як і я сама. Тепер я не боюся висловлювати свої потреби — з ніжністю, але з впевненістю. З роками ми стаємо здатними ясніше усвідомлювати, чого прагнемо, що відкидаємо та як це формулюємо. Мої висловлювання та уявлення стають дедалі більш точними.

Моя робота розвивається інстинктивно, як і я. Вона не запланована. Я можу створювати лише те, чим я насправді є або що відчуваю. Ця щирість є важливою, і я сподіваюся, що вона проявиться.

Коли я розпочинала свою подорож у "Альба'хіан", я зосереджувалась на створенні невеликих творів, насичених легкими прозорими тканинами. Тоді моя творчість лише лунала тихим шепотом; я ще не наважувалася повністю відкритися. Кольори були ніжними пастельними відтінками, небо простягалося безмежно, персонажі виглядали крихітними, а пейзажі мали ефемерний характер.

З часом здавалося, ніби мій об'єктив збільшився. Те, що було всередині мене, стало чіткішим, у моїй голові, моєму серці, моїй душі та на поверхні роботи. Образи ставали більш чіткими, більш значущими. Я перейшла від робіт розміром 50 х 50 см до чотириметрових. Зараз я працюю над твором розміром 2,40 х 1,60 метра, де персонаж займає кілька панелей, заввишки понад метр.

ОМ: Зростаючи в Абіджані, Кот-д'Івуар, як Ваше виховання та багатий культурний гобелен Вашого середовища сформували Ваше художнє бачення та тематичний вибір?

ДЧ: Виростаючи в Кот-д'Івуарі в 1980-х, ми були оточені ідеєю миру — не лише як терміна, а як невід'ємної частини нашого існування. Він проникав у всі сфери: від телебачення до щоденних справ, ставши елементом нашої сутності. Я маю на увазі не тільки соціальну гармонію, а й внутрішній спокій — можливість бути справжнім. Це особливо важливо для жінки, зокрема африканської жінки, яка з відкритим серцем приймає життя, відпускає те, що поза її контролем, і з вдячністю приймає те, що їй дарується.

Одна з моїх робіт на персональній виставці в ГАЛЕРЕЇ ФАРАХ ФАХРІ в Абіджані [з 16 травня по 25 липня] глибоко досліджує це. Вона має для мене велике духовне значення, тому що я вірю, що саме цього Бог вимагає від нас: відпустити, отримати те, що наше, і стати тими, ким ми є. Саме про це моя робота.

ОМ: Ваша робота часто заглиблюється в теми ідентичності, пам'яті та стійкості. Чи не могли б Ви розповісти про історії чи досвід, які надихають Вас на їх створення, і як Ви перетворюєте ці наративи у візуальне мистецтво?

ДЧ: Коли я займаюся творчістю, рішення про те, що створити, приходить до мене спонтанно. Я створювала портрети, які спочатку виникали як масштабні концепції, а згодом перетворювалися на панорамні ландшафти. Кожна нова серія приносить щось особливе. Я не можу займатися кількома проектами одночасно; мені потрібно зануритися в один. Поки я відчуваю натхнення, я продовжую працювати. Але коли це натхнення зникає, я зупиняюся. Навіть отримуючи запити на "Ça va aller", я йшла далі. Я не можу продовжувати працювати над тим, що перестало резонувати в моїй душі.

Моя робота допомагає мені зрозуміти, чому я існую. Потім я ділюся цим, і починається діалог. Але це втрачає сенс, якщо я не буду щирою із собою, якщо я не створюю з чесністю. Це стає комерційним актом, і це не те, як я працюю. Ось чому я переходжу з однієї серії в іншу. Іноді я працюю над чимось, що не показуватиму деякий час. Це все інстинктивно, шар за шаром. Я ділюся лише тоді, коли буду готова.

Розглянемо, наприклад, "Альба'хіан", який заплановано на показ в Абіджані в травні. Усе почалося під час моїх ранкових прогулянок о 5:00, коли я часто прогулювалася через міст. Я спостерігала, як місто поступово прокидається: сонце, хмари, гра світла — це дарувало мені сили в непрості часи. "Альба'хіан" зародився в Абіджані і згодом поширився по всьому світу.

ОМ: Яким чином Венеційське бієнале 2017 року позначилося на вашому творчому вираженні та взаємодії із світовою аудиторією?

ДЧ: Я б продовжувала створювати навіть без можливості виставляти свої роботи. Але справжнє життя моїх творів розкривається лише через сприйняття глядача. Останній штрих — це емоції та реакція людини, яка взаємодіє з твором; чи то вона вирішує придбати його та жити з ним, чи просто відчуває його енергетику і несе це відчуття в собі. Лише тоді можна вважати, що твір завершений. Його енергія та любов супроводжують глядача на його шляху.

Я творю мистецтво, щоб з'єднатися з людьми, пізнати себе, а потім — взаємодіяти з іншими. Моя творчість стає містком.

ОМ: Розмірковуючи над Вашим творчим шляхом, як змінювалися теми та методи у Вашій діяльності з часом, і які перспективи Ви бачите для свого мистецького розвитку в майбутньому?

ДЧ: Я пишу, керуючись інстинктом. Коли я починаю новий твір, у мене немає чіткого уявлення про його фінал. Можу мати загальну ідею, але твір часто відкриває мені несподівані аспекти, і це найбільший дар цього процесу. Я не завжди можу сказати, коли робота завершена. Іноді я повертаюся до написаного, вношу зміни, доповнюю, а іноді навіть розбираю все на шматки і створюю заново. Це також є невід’ємною частиною творчого процесу.

Єдина концепція в моїй діяльності — це відсутність чіткої програми. Я довіряю натхненню, яке направляє мене. Завдяки цьому я відчуваю близькість до Бога, що супроводжує мене на кожному кроці. Тому я не турбуюсь про те, чи відбувається еволюція, трансформація чи розвиток. Мій творчий процес веде мене туди, де я маю бути. Це і є головне.

OM: Як процес медитативного вишивання впливає на вашу креативність та взаємодію з глядачами?

ДЧ: Найцінніше для мене – це те, що я переживаю в процесі творчості, і як це створює безсловесний зв'язок з оточуючими. Мистецтво надає мені можливість взаємодіяти з людьми, але, перш за все, воно стає шляхом до глибшого розуміння себе, а також, якщо це можливо, і інших.